ACT02 es una actividad que como objetivo intenta asociar personas del medio artístico en un momento en que los límites disciplinares están en cuestión y donde palabras como cuerpo, ironía y estrategias al parecer son un punto en común. Esta segunda instancia formula cinco preguntas, para generar curiosidad y reflexión sobre cómo operan las otras disciplinas de la mano de los invitados de cada día. Inspeccionando su propio hacer, la recepción del medio, el rotulado de los productos, la posible contaminación con otras áreas y su recepción. Se invita a los artistas convocados a realizar una conversación, ponencia, lectura, discusión, manifiesto o poética a partir de "Contexto y sentido en", seguido de una muestra, un proceso, un resumen, un fragmento de pieza, un próximo proyecto, un experimento o un acto dentro de los formatos que le acomoden. Es decir, la primera parte es más de pensar en voz alta y poder discutir desde una base disciplinar hasta la recepción del trabajo. Lo segundo es exhibir un producto o una posibilidad de él.
mas info en: www.act02.blogspot.com
viernes
HOMBRA PROYECTO TRANSDISCIPLINARIO
"El proyecto Hombra se inscribe dentro de la transdiciplina artística, que busca comunicar ideas que se enmarcan en el pensamiento transversal. Por medio de Hombra se exhibe el cuerpo limitado, sellado y domesticado del pasado, frente al cuerpo expuesto y feminizado del futuro. Se comunican reflexiones respecto del género masculino y su identidad en un contexto local. La metodología de Hombra consiste en una experiencia de composición instantánea o composición asociativa de ideas, intervenida por la dramaturgia física dada por el texto del propio director, que permite la lectura de la palabra en un soporte corporal y performático, donde los afectos surgen en el espectador y no en los performers, componiendo in situ y arriesgando lo real a la imagen para que quede disponible en un nuevo lugar a componer dia a día en escena. La pieza no supone como respuestas las preguntas planteadas desde el texto, ello porque la pieza es la exhibición del proceso de creación, por lo que la puesta en escena es la exhibición de la construcción de armar y desarmar la pieza, constituyendo a la puesta en escena como parte de los posibles resultados de la obra". Curi Maririnkovic.
Creación y Performance: Javiera Peón - Veiga, Isabel Torres, Aische schwarz, Paulina Vielma, Sebastián Jatz Rawicz, Nicolás Grum, Eyal Meyer y Sergio Valenzuela Valdés Teóricos en escena: Mauricio Barria y Claudio Garvizo Diseño web y gráfico: Alejandra Jorquera Diseño postales y afiche: Jorge Vargas Asistencia Metodológica: Curi Marinkovic Dirección y Concepto: Sergio Valenzuela Valdés
Fotografía: Jose Miguel Carrasco
Fotografía: Augusto Domínguez
mas info en www.hombra.blogspot.com www.makinghombra.blogspot.com
lunes
EXHIBICIÓN TRANSDISCIPLINARIA
Esta es la segunda exhibición en Matucana100 de Sergio Valenzuela. En Manuales abre su espacio de exhibición a otros artistas de diferentes disciplinas, que tiene como eje tres instructivos de performance elaborados en mp3 por el propio Valenzuela, con los cuales se abrió una convocatoria a video en formato de libre duración y tratamiento. La muestra comprende cuatro paneles con los textos de los instructivos, seis mini pantallas con audífonos, en las que se exhiben los videos recopilados en la convocatoria, y una vez por semana se mostrará una proyección del registro de performance.
Los videos pueden ser vistos en: www.expomanuales.blogspot.com
Fotografía: Jose Miguel Carrasco.
Registros de performance
Trinida Piriz, Paula Aros, Nicolás Grum, Brisa MP, Rodrigo Tisi, Aische Schwarz, Javiera Péon - Veiga y Macarena Capmbell
Video que reflexiona sobre como las herramientas que nos ofrecen los formatos y la tecnología pueden ser aprovechados para entregarnos ideas sobre el vacío, la superficialidad, la falta de contenido, la importancia de la figura del artista y los créditos desde un punto de vista irónico. Una exploración con respecto a la resistencia por parte del observador.
IMBRIS ACCIÓN DE RESISTENCIA 60 minutos con vivaldi de fondo obteniendo 160 barcos de papel y un avion y un triangulo como fallas mentales exhibido a 45 personas en mi habitación
“Manual 1” es una versión libre del instructivo (texto) homónimo del propio autor. Es una edición de las acciones realizadas en tiempo real del instructivo en un lugar cotidiano. Exhibe lo ridículo, donde en el contexto del “Hogar” damos libertad a nuestra corporalidad. Existe un vouyerismo y exhibición como ejes de la creación, cruzados de manera transversal con los comportamientos masculinos dentro del espacio privado. Existe una manipulación de las velocidades del cuerpo con el objetivo de lograr ridiculizar las acciones ejecutadas (humor).
Edición y ejecución: Sergio Valenzuela Valdés
domingo
Esto no es un Clásico Acción de arte transdisciplinar
El resultado esperado es exhibir y compartir una experiencia de diferentes versiones de pensamiento en torno al brain storm de una mujer (textos) hasta sus múltiples puntos de proyección en la creación, intentando generar complejas lecturas con respecto a una historia, cómo también de exhibión de las diferentes etapas que implican un proceso de creación hasta su análisis in situ sobre la importancia y relación que tiene con el contexto global. En otras palabras es una pieza que intenta ir más allá de si misma, que toma como base estructural un texto, pero que se proyecta a sus múltiples lecturas y análisis. Una pieza que nos hace pensar sobre la realidad y las otras posibles. Que nos entrega preguntas, mas que respuestas.
No es una obra convencional, su pretensión es llegar a ser un inclasificable. Es una búsqueda metodológica y de creación única, confeccionada y convocada a un proceso de creación particular a través de la composición instantánea de un Monólogo de una mujer. El valor del trabajo es girar la mirada sobre el género (masculino o femenino) aportando al público la idea de un género desbordado, más libre, como también al medio escénico, al arte y al pensamiento, sobre todo hacia la libertad y la integración de disciplinas en el hoy para generar nuevos productos.
La propuesta incluye videos que exhiben videoperformances del actor Eyal Meyer, Ignacio Soto y Andrés Grumann.
EQUIPO
Dirección, dramaturgia y concepto: Sergio Valenzuela Valdés. Teorícos: Andrés Grumann, Ignacio Soto. Creadores: Isabel Torres, Javiera Peón-Veiga, Miguel Torreblanca y Sergio Valenzuela. Perfomance: Isabel Torres, Javiera Peón-Veiga, Eyal Meyer, Miguel Torrebalanca y Sergio Valenzuela. Música: Miguel Torreblanca. Videos: Sergio Valenzuela Prensa y Difusión: Leonardo de la Cerda y Antoni González Foto: Jose Carrasco
Piso / floor sólo intenta recordarnos la necesidad de obtener productos a partir de lo básico, de lo que tenemos a mano, de volver a nuestro cotidiano y ver en él la posibilidad de seguir creando a partir de su captura. Finalmente el sentido posible se lo entregan los diferentes elementos formales como la música o la edición (su manipulacion o encuadre), ya que en su origen no tiene ninguna pretensión más que capturar una "acción" cotidiana: bailar limpiando el piso. Su posible lectura sólo nos lleva a una super exhibición por parte del autor, recuperando conceptos como el exhibicionismo y lo vouyeur desarrollados en anteriores resultados como bitácora o dentro de los manuales. Donde lo ridiculo y patetico son utilizados como elementos utilizados en contraste generando así un juego entre lo profundo y lo superficial.
Créditos
Concepto, Dirección, Edición y Performance: Sergio Valenzuela Valdés.
Música: Fragmento del film Farinelli, il castrato.
sábado
PIEZAS PRESENTADAS EN EL CICLO NOCHES DE PREVIAS Y PERFORMANCE. ENERO 2009
“EL INTÉRPRETE”
Versión junto a Eyal Meyer Intenta poner en crisis el uso de la tecnología en constraste con la exhibición de dos cuerpo masculinos desnudos y cableados. El intento es poner en conflicto un performance que en su primera idea trabaja a partir del cuerpo lente o de un cuerpo sometido a una tecnologización barata. Problematizar al cuerpo exhibido a problemas escénicos, provocando preguntas sobre nuestra recpeción y eespectativas sobre lo que esperamos ver en artes performativas.
Dirección y Concepto: Sergio Valenzuela Creación: Nicolás Cottet y Sergio Valenzuela Performance: Eyal Meyer y Sergio Valenzuela. Música: Carlos Casella.
“AFECTO”
Esta nueva versión da mas importancia y profundidad a las acciones ejecutadas, acciones con objetivos concretos que no intentan consturir una narratividad literal, ya que no pretenden ser leídas como "situaciones representacionales" (teatro), sino que logar coser fragmentos de un cuerpo hiper exhibido y acciones afectadas desde un punto de vista irónico. Es así que desde esta super afectacción corporal intentar afectar al sujeto que recibe la performance, desde las sensaciones físicas por las cuales es sometido un cuerpo masculino. Acciones ridiculas, humillantes, vulgares y burdas, que son vestidas o desvestidas a través de la seleccción de objetos seleccionados especialmente para una articulación visual constrastada (smoking y peluca, faldas y zapatos, baldes y conos de calle).
Equipo
Concepto y dirección: Sergio Valenzuela Valdés Creación: Miguel Torreblanca, Nicolás Cottet y Sergio Valenzuela. Performance: Miguel Torreblanca y Sergio Valenzuela. Música: Miguel Torreblanca Letra: Sergio Valenzuela Fotografías: Simón Pais y José Miguel Carrasco
“NACI EN EL CUERPO RUPTURISTA EQUIVOCADO”
Performance dedicado a todas esas personas o artistas que necesitan realizar acciones rupturistas quedando en evidencia que por parte del equipo no es su intención primera, el perfromance nace desde el cruce de tres propuestas de tres creadores en tiempo real, sólo con la intención de lograr un sentido a tres acciones que no tienen relación alguna. Encontramos así tres acciones manuales inconexas, que dejan de ser absurdas en su exhibición. Un musico tocando canciones, un hombre escribiendo y una mujer cosiendo. La única manera de relacionar estas acciones es a partir de la canción Lithium del grupo noventero Nirvana.
Dirección y Concepto: Sergio Valenzuela Creación: Isabel Torres, Miguel Torreblanca y Sergio Valenzuela Performance: Isabel Torres, Miguel Torreblanca y Sergio Valenzuela Música: Miguel Torreblanca.
“SERGIO VALENZUELA”
Exhibición que critica y abusa del término performático a partir de diferentes problemas o preguntas sobre el rol de director, el autor, el artista y el performer hoy en día. Desde el intérprete que debe, como su palabra lo dice, interpretar las ideas de un director y traducirlas en su cuerpo y voz, un director que decide y manipula las decisiones de sus bailarines o elenco, o incuso del artista preocupado de todos los detalles de una obra, de su estructura “redonda”, de esta cierta unidad exigida y de la supremacía del autor. Critica el rol del performer como un cuerpo al servicio de las ideas, poniendo en juego su papel intentando darle sentido a todos los elementos que aparecen en el instante mismo de la exhibición y hasta donde puede llegar esto a ser un lugar exhibicionista. Esta pieza en particular intenta poner en juego diferentes elementos que no tienen relación entre sí, solo su cruce y combinatoria hacen interesante el resultado. Esto nace a partir de autoexigencia (localista) de dar sentido a todas las cosas, darle un rumbo, especialmente desde lo expresivo, entendamos esto como lo “super emotivo o el goce por el gesto”.
EQUIPO
Dirección, Texto y Concepto: Sergio Valenzuela Valdés Creación y Performance: Isabel Torres, Javiera Peón-Veiga, Eyal Meyer y Sergio Valenzuela
martes
MANUALES Acciones con objetivos en tiempo real
Manuales aparece desde un cuestionamiento sobre el flujo de información entre personas de diferentes areas o disciplinas escénicas y las metodologías de creación. A partir de un instructivo un cuerpo es sometido a diferentes acciones dentro de un espacio y tiempo. Esos elementos son los que toman diferentes creadores como punto de partida de las diferentes versions de un mismo instructivo. Idea que podemos relacionar con exposiciones como “Do it” o con las metodologías escriturales del español José Sanchis Siniterra. Podríamos decir que Manuales intenta generar nuevas autorias a partir de un intento de eliminar al primer autor o poniendo en cuestionamiento su valor.
Manuales son tres instructivos de performance, que aparecen desde un possible director o coreografo indicando a una persona las acciones que debe realizar en un espacio escénico formal. Desde ahi, se intenta ironizar sobre ciertos clichés de la escena, como el tiempo, la expresión o el gesto, el contenido y lo contingente.
Manual 1 y 2: Aca encontramos dos versiones en exhibición realizadas en Amnsesia y Espacio Arte Nimiku. Son piezas no ensayadas, para lograr su realización en tiempo real frente a un sujeto, a pesar de esto hay lineas conceptuales acordadas y acciones preparadas antes de la presentación como imágenes que hacen de soporte estructural o mapa corporal de la pieza.
Manual 1 Concepto y texto: Sergio Valenzuela Creación y performance Manual 1: Tatiana Pérez y Sergio Valenzuela Voz: Sergio Valenzuela Paisaje Sonoro: Maria Callas y Flash Dance.
Manual 2 Concepto y texto: Sergio Valenzuela Creación y performance Manual 1: Marcela Santander, Eyal Meyer y Sergio Valenzuela Paisaje Sonoro: Artimiev. Solaris. Video: Merce Cunningham
sábado
afecto (55 minutos aprox.)
Performance Nicolás Cottet & Sergio Valenzuela
Los afectos se regulan fundamentalmente no por el sistema de costumbres, sino por normas (normas éticas). Es decir, que el trabajo de contención de algunos afectos puede existir para que no desemboquen en sentimientos prohibidos o fuera de contexto normativo. Somos responsables de nuestras emociones y de cierta manera sentir es algo que no nos es permitido constantemente. Sentir significa estar implicado en algo, es estar involucrado con un pensamiento o ideología, ya que mis afectos pueden violar la ética impuesta, finalmente aceptamos convivir en ciertas normas y nuestros afectos se adecuan a él.
Desde este contexto AFECTO intentará provocar a través de diferentes comportamientos (o estados de movimiento) ciertos afectos que derivarán en sentimientos o en su contención.
El lugar de génesis para esta pieza es un texto poético del mismo autor de nombre “Canciones para no dormir”. Las acciones intentan lograr una imagen móvil del cuerpo afectado de una manera muy depurada en el resultado. Incluye la utilización de algunos vestuarios u objetos que permiten lograr, a un nivel interpretativo, la afectación del cuerpo y los diálogos generados a partir de las canciones seleccionadas. La pieza está pensada para un espacio íntimo en un horario nocturno, el espectáculo es para mayores de 18 años
Equipo Creación y concepto: Nicolás Cottet & Sergio Valenzuela. Performance: Nicolás Cottet & Sergio Valenzuela. Textos y letra: Sergio Valenzuela. Canción y Música: Miguel Torreblanca Fotografía: Simón Pais. Diseño web: Jorge Vargas. Producción: Antonio González.
martes
A BIT OF SMILE Video 2' 35"
Intentando construir un performace a partir de diferentes elementos puestos unos sobre otros; letras, voz, cuerpo y música. Elementos que no tienen relación entre sí, sólo cuando se suman en el espacio temporal de la imagen logran un sentido particular y sólo en su convivencia estos elementos logran una unidad.
Un ejercicio de composición, en donde la palabra puede cambiar su sentido inicial y utilizarse como punto de fuga de una creación.
Concepto y dirección: Sergio Valenzuela Cámara: Cristián Monsalve Edición: Sergio Valenzuela Musica: Versión de Stuart Staples
Jugar con el formato entre video casero y entrevista de programa cultural, es parte de esta entrevista al interprete que habla del proyecto y del supuesto creador de la obra. La idea es dar seriedad y profundidad a un producto que no intenta abordar el tema desde una gravedad supuesta. Las preguntas son realizadas por otro que nunca vemos, una cotidianeidad que no es real. Se pretende lograr una sensación de entrevista a un artista con mucha trayectoria, algo cercano a un programa de tv donde se muestra el lado humano de las estrellas.
.Nombre intenta atravesar ciertos paradigmas con respecto a esa supuesta seriedad con que se debe hacer el arte y con respecto a esa devoción que debemos tener frente a un producto tan comercializado como lo es la emoción o la afectación. Con el sólo objetivo de lograr salir de lugares tan comunes, para darnos cuenta de que el arte ya no le pertenece a nadie.
Basado en un ensayo (Nombrar a Mujer Instalada) donde se plantean entre muchas cosas, que las técnicas de aprendizaje, ya sea en danza o en teatro, nos llevan a creer que las cosas se deben hacer de cierta manera, porque los maestros nos han dicho que así es .Nombre intenta comunicarse con un sujeto desde una no definición clara. Es por esto que podemos nombrar este trabajo como un “video danza”, un “mini docu-ficción”, un corto o un video arte también, el sujeto se encargará de nombrarlo como quiera.
Ficha Técnica:
Concepto, dramaturgia y dirección: Sergio Valenzuela Valdés. Creación e interpretación: Sergio Valenzuela. Música: Ultima canción del disco Almodóvar. Video y edición: Sergio Valenzuela.
Mujer Instalada es una obra o ejercicio escénico de una duración entre 60 a 70 minutos. Toma textos originales de "Mujeres Falsas" del propio director Sergio Valenzuela Valdés. La obra se genera desde el cuerpo y la palabra, pero su resultado es danza, teatro y performance, intentando borronear sus límites.
La obra instala el cuerpo y la voz de varias mujeres en seis hombres, pero la puesta en escena pone en crisis la ficción, el arte, la mujer, lo masculino, el teatro, la danza, la realidad, lo simulado y el cuerpo afectado. Cada función es una invitación a perder los límites de lo establecido.
Mujer instalada es un mix de diferentes soportes: primero desde la palabra, ya que toma la dramaturgia (teatro) y se exhibe por los intérpretes. El Segundo soporte es la danza a través de secuencias de movimiento y de un trabajo físico que inunda toda el espectáculo, como también el performance desarrollado en composiciones instantáneas donde la ficción se quiebra y el espectáculo se abre al público.
Mujer instalada no intenta contarnos una historia, sólo exhibir o instalar versiones de mujeres muy particulares. Un mundo femenino (madres, nanas, heroínas, modernas o enchapadas a la antigua, culposas o dispuestas a matar por sus ideales). El texto ya estabalece un quiebre teatral (la muerte del acotador y el propio autor como personaje) y desde ahí mujer instalada rompe la convencioanalidad del arte, la danza, el teatro y quizás dejarnos con una senasación de que todo es posible, una sensación de ruptura de los límites conocidos.
El ejercicio tiene como fondo musicalidades refinadas (piano, jazz) en constraste con un universo visual concreto (sin vestuarios de personajes, sin efectos o espacios vestidos).
EQUIPO
Dramaturgia, dirección y concepto: Sergio Valenzuela Valdés. Creación e Interpretación: Carlota Bouquet, Eyal Meyer, Patricio Ovalle, Cristián Monsalve, Sebastián Yannucci, Sergio Valenzuela y Guillermo Cáceres. Producción: Antonio González. Vestuario: Margarita Valdés. Diseño Gráfico: Jorge Vargas. Fotografía: Simón Pais. Música de Shirley Horn, Bach y Alberto Iglesias.
El verbo ver es el punto de partida para .EL INTERPRETE El experimento toma dos cuerpos de hombres desnudos y fija en una parte de su cuerpo una cámara. Es así que el cuerpo se transforma en un cuerpo lente o la cámara en una extensión o tercer ojo del propio cuerpo en movimiento ya que las cámaras proyectan en vivo lo que va capturando. Nace de la investigación a partir de un ensayo homónimo de Sergio Valenzuela sobre la interpretación y sus posibles caminos. De esta investigación se obtienen dos resultados: un video danza de nombre “.ESTAR” y esta pieza corta.
Un cuerpo mirado. El intérprete aborda una visión concreta del cuerpo en movimiento, ya que no intenta acomodar cuadros o composiciones en su grabación o acción de captura, sino que propone dos visiones de dos cuerpos en dos pantallas. La cercanía de la cámara permite al espectador poder ingresar de una manera muy abstracta en el estado de movimiento que se genera o mejor dicho poder imaginar el flujo y los posibles movimientos que se realizan.
Con respecto a lo concreto, se intentan tomar decisiones estéticas con respecto al uso de los recursos en su forma natural, sin intervenir demasiado, no intentando generar una ficción, sólo abordarlo desde lo que hay, el cuerpo, el espacio, la luz, las cámaras caseras. La interpretación intenta no demostrar emociones, ni tampoco pretende ser simulada. Todo sucede y se vive así.
La acción se sintetiza en algo muy simple un traslado de un lugar y la manipulación entre dos cuerpos por una cantidad de tiempo. Lo interesante del producto es que abre en sus lecturas desde la utilización de las cámaras y los cables, como los cuerpos , la piel y el roce. Son elementos que conforman mundos sobre de los cuales no discurseamos, sino que aparecen y desaparecen dentro de la secuencia de movimiento entregándonos preguntas en torno al género, incluso el cuerpo como objeto mediatizado, mediado o transmediado, un cuerpo cableado, maquinal y por sobre todo jugando con el límite de exposición al que llega el intérprete al realizar una secuencia como ésta.
Ficha Técnica: Concepto, dramaturgia y dirección:Sergio Valenzuela Valdés. Creación e interpretación:Nicolás Cottet y Sergio Valenzuela. Foto:Catalina Bartolomé Canción “No se como decirte”: Carlitos Casella.
Una secuencia de cuerpos generando muchas veces algo que podemos llamar como “paisajes del cuerpo”, por la cercania de la cámara, que no alcanzamos a detectar, pero que que ponen lo erótico y la danza en el mismo plano de importancia. Las imágenes adquieren tal dinámica que se hace vertiginoso cercano a las sensaciones físicas que nos provoca el contact improvisation como técnica, ya que pierde los límites espaciales, el arriba y abajo por ejemplo.
Ficha Técnica Concepto, dramaturgia y dirección:Sergio Valenzuela Valdés Creación e interpretación: Nicolás Cottet y Sergio Valenzuela Cámaras: Nicolás Cottet y Sergio Valenzuela Edición: Sergio Valenzuela Valdés Canción “No se como decirte”: Carlitos Casella
Bitácora es una performance de 25 minutos, que se inauguraró en la galería Concreta del Centro Cultural Matucana 100 el 12 de septiembre dcel 2008.Se trata de un montaje que propone una combinación de soportes en los que Valenzuela actúa como performer principal acompañado de distintos objetos o actores. Cada miércoles, Valenzuela llevará a cabo una performance distinta, cada una con situaciones o acciones similares, que serán registradas y cuya suma dejará un rastro instalativo que conformará la exposición final. El espacio y sus objetos van construyendo tras cada performance un lugar cercano a un hogar, un lugar que a través de su uso y transformaciones se transfeorman en una bitacora de acontecimientos. Una sumatoria de rastros de las acciones.
Estas acciones basándose entre las que destacan: se interviene una caseta del baño de hombres (acción ridícula), que será proyectada en vivo, y ejecutará una secuencia de movimiento con objetos, que él llama erótico-cotidianos. Todo esto, con la música, pieza especialmente compuesta por el músico argentino, Carlos Casella. Simultáneamente, en el espacio se instalan cuatro componentes visuales en diferentes soportes: una secuencia en video como proyección, que muestra a varios hombres y a una mujer, realizando una acción cosmética en el entorno de una casa; un segundo componente son 8 textos originales colgados de Bitacora intervenidos por el autor, desde donde aparece esta performance; un televisor como tercer soporte muestra una selección de objetos de casa (cucharones, sopapos, entre otros); y finalmente, el cuarto componente será el rastro de las piernas maquilladas de 4 hombres que teñirán el suelo del espacio. Además de estas primeras acciones se suman , limpiar el espacio bailando lambada, limpiar cnatando un acancion romántica, escritura de un mensaje romántico en el pelo, calentamientos sobre el muro, manipular el cuerpo de un joven apuesto, relacionar una prenda con un texto y dejarlos en un muro del espacio, cantar de manera exagerada una canción frente a la cámara, beber 8 piscolas al hilo mientras tus amigos siguen bebiendo, repetir la secuencia de calentamiento en el muro.
Inconexas o no, esas imágenes “móviles” finalmente en Bitácora hacen referencia al comportamiento del ser humano en la intimidad, en ese lugar de libertad que permite estar solos en casa, cantar en la ducha, bailar haciendo el aseo, finalmente esas cosas ridículas que nos da vergüenza exponer.
Performance, dramaturgia, dirección y concepto: Sergio Valenzuela Valdés. Realización audiovisual para instalación: Isabel Skibsted Canción “Nada se compara a ti”: Carlos Casella. Voz: Felipe Luck. Cuerpos-actores: Claudia Vicuña, Eyal Meyer, Felipe Vargas, Antonio González, Orlando Alfaro, Nicolás Cottet, Patricio Ovalle y Felipe Beltrán. Fotografía: Simón Pais. Registro: Nicolas Cottet, Sergio Valenzuela y M100.
viernes
LA SEGUNDA PALABRA (40 min. aprox)
Es una investigación en torno al movimiento a partir de la dramaturgia. No es una dramaturgia corporal sino un cuerpo intentando movilizarse a través de una palabra. No es teatro físico ya que no trata de comunicar estados emocionales a través del movimiento. No es teatro ya que el texto sólo sirve como soporte estructural de la composición espacial y temporal. Es danza contemporánea o cercano a una instalación corporal móvil porque el lenguaje aparece desde la palabra pero su traducción es finalmente física.
“la2dapalabra” es el resultado del esfuerzo y el compromiso de un equipo que cree en la búsqueda de otras de formas de crear. El proyecto contó con el aporte de la Universidad Católica Silva Henríquez, y el patrocinio de Goethe Institut, el apoyo de Centro Cultural Matucana 100 y en sus inicios por la Biblioteca de Santiago.
Es un muro de 25 metros de largo, 8 intérpretes y la luz artificial de un auto. Elenco compuesto por actores y bailarines que se toman a los 8 personajes del texto y se fusionan en un muro de personas. 8 personas a punto de ser fusiladas o a punto de desaparecer en la masa. Individualidades sumadas a partir de 5 formas de construir una secuencia de movimiento a partir de una palabra.
La obra tiene una duración aproximada de 50 minutos y está basada en la obra de nombre “Mi tristeza es mi cuerpo” del propio director Sergio Valenzuela. Texto donde se cuenta las 3 posibles formas en que desapareció un hombre llamado “Pato” en la década de los 80. “la2dapalabra” no intenta contar la historia del texto sólo toma como mapa corporal cada palabra que aparece en el texto y desde ahí danzar. Inevitablemente existen textos, en la propia voz de los intérpretes y en la voz de Carlos Casella que nos guían y dan otro sentido a la memoria y al recuerdo.
La obra finalmente aspira a entregarnos un mensaje muy simple: vivir el aquí y el ahora, vivirlo con optimismo. Aprovechar el tiempo que nos queda.
Nombre: la2dapalabra. Basado en “mi tristeza es mi cuerpo” de Sergio Valenzuela. Dirección, coreografía y concepto: Sergio Valenzuela Valdés. Asistencia Teórica: Pamela Caruncho Franco y Natalia Jorquera. Intérpretes: Carlota Bouquet, Tatiana Pérez, Eyal Meyer, Orlando Alfaro, Felipe Beltrán, Antonio González, Felipe Vargas y Omar Morán. Canciones y voz: Carlos Casella Vestuario: Margarita Valdés. Asistencia Gráfica: Antonia Hernández Fotografía: Simón Pais. Producción: Antonio González.
mas info en:
CALLEJERA VERSIÓN (45 minutos aprox.)
“Callejera Versión” es una obra financiada por Fondart 2006 y que se presentó en diferentes azoteas de Santiago. El interés de este proyecto se centra en el traspaso de un texto dramático a una coreografía. Basada en el texto “Callejera” de Sergio Valenzuela Valdés que ganó el Concurso de Dramaturgia Nacional 2005 y que dirigió Paulina Urrutia para la Muestra Nacional en el Teatro UC en Noviembre del 2005.
Esta versión ha sido una constante eliminación dramatúrgica para poder encontrarse finalmente con los cuerpos. Esta metodología la hemos denominado: TACHAR. Tachamos el texto, para vaciarlo, vaciarlo de los personajes, las escenas, las emociones, incluso vaciamos el espacio y nos quedamos solo con el suelo (azotea). Esta es una obra que pretende el vacío sólo para encontrar el cuerpo. Cuatro cuerpos, de cuatro hombres en una azotea, de eso trata y eso fue lo que nos quedó:
“Cuatro hombres al borde de un espacio, de su cuerpo, de su género”
Los intérpretes son Felipe Beltrán, Felipe Vargas, Eyal Meyer y Orlando Alfaro. Actores y bailarines que nos llevarán a distintos estados y a diferentes lugares con el mismo paisaje de fondo: la ciudad en el atardecer.
Nombre: Callejera Versión. Basado en “Callejera” de Sergio Valenzuela. Dirección, coreografía y concepto: Sergio Valenzuela Valdés. Asistencia Teórica: Pamela Caruncho Franco. Intérpretes: Eyal Meyer, Orlando Alfaro, Felipe Beltrán y Felipe Vargas. Músico: Esteban Anavitarte. Canciones y voz: Carlos Casella Vestuario: Margarita Valdés. Diseño Gráfico: Andrés Fasani Fotografía: Simón Pais. Producción: Antonio González.
